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1 ) 我看了三个版本的《比利·林恩》，才决定来谈谈这部电影
电影感缺失，是之前争论的一个焦点。在看完三个不同技术规格的版本之后，我认为这种缺失是李安有意为之，而120帧4k的技术呈现，则是将这种有意为之做到了极限。 李安想要呈现给众人的，并不是一部完美的电影，而是直抵人心的真实。 真实到让你感受到战场上子弹与被打碎的血肉迎面而来，真实到让你感受到两人拼死打斗时的窒息氛围，真实到让你跟着比利林恩一起迷茫与难过。当所有人都远远看着他们并称之为英雄的时候，可有人感受过他们内心的恐惧？ 我在影院看到的第一个版本的《比利·林恩的中场战事》是金逸影院的60帧版本，在观影之前，这个版本也被部分技术控认为“没有那么高清到像看电视”，是相较于120帧的高规格版本更适合于普通影迷观影的版本。 但是即便是60帧的版本，一开场感仍然让我有一种在观看高清电视的感觉，直到林恩开始穿插回忆在伊拉克的生活，这种感觉才逐渐减轻。 不得不说，60帧版本的影像在3D效果、亮度等各方面就已经非常出色了，在影片开始一群大兵列队时，就能明显感觉到人物仿佛立在你面前，在战场上的镜头，大兵射击时也能感觉到子弹好像在扑面而来。通观下来，对于观众来说，“电影感”的确会弱一点，但是个人的情感也会跟着电影中人物内心的起伏而变化。 第二个版本是在五棵松耀莱影城观看的24帧版本。24帧版本对比60帧版本，缺点就非常明显了，3D效果下，被拍摄物体如汽车或者人物在进行移动时，都带给观众非常明显的镜头在摇晃的感觉，细节和亮度也相较差之不少。 但是回看这三个版本，24帧版本或许算得上“电影感”最浓的一个版本——更多的时候，你能感觉到你是在远距离的看一部电影，但是对于这样一部无论是原著还是电影都以直描人物内心为主的作品来说，这种距离感也会让观众的情感变化没有太大的波动。 实际上，如果你看过24帧版本的《比例·林恩的中场战事》，你就会发现其实最普通版本中所谓的“电影感”也并不强烈，这种“电影感”的缺失与高清技术并没有绝对的关联，而更应该是李安的有意为之。 那么我们一直在说的“电影感”，到底是什么？ . 我想更多的是源自于过往观影中形成的习惯。我们在看一部电影的时候，大部分时候是跟我们的真实生活有所差距的，比如说电影的色彩，比如说配乐，我们也是通过这些亦真亦假的、或是超脱于现实的影像与声音，来按摩自己的情感——之如此前《阿凡达》中让人惊叹的影像技术，恐怖片中生活中平常人可能一辈子都不会见到的血腥场景，喜剧片中一些怪异的引人发笑的行为。 而到了《比例·林恩的中场战事》，你会发现这部电影几乎没有配乐，大部分对话或者是人物行为的片段都是在无配乐的情况下进行的，有配乐的电影片段配乐也都比较清淡。 配乐是电影中最容易被忽略但却非常能影响人情绪的一个神奇事情。如果恐怖片没有惊悚的配乐，那么恐怖的效果就会大打折扣（读者可以自己在电脑前看恐怖片时关掉声音试验一下）；比如说《比例·林恩的中场战事》中拉拉队员与林恩的对话与眼神交流，在一部我们通常观看的电影中，尤其当两个人接吻前眼神接触时，一般都会响起一些舒缓的音乐，配以两人柔情的眼神上，是不是会像个爱情故事？但是当我们看过这部电影之后，会不会觉得如果配上音乐，就有点别扭？因为李安要呈现给大家的并不是一个爱情故事。 其次这个电影的色彩异常艳丽与真实，如果你看过120帧版本的话，那么这种真实的感觉就更加强烈，强烈到甚至会让你觉得不太自然。我们通常看到的电影，在后期处理时都会进行调色，营造跟现实有一定距离感的色调，比如说魔幻类的电影，通常电影总是给人灰暗的感觉；张艺谋的电影中，色彩也通常饱满、浓郁，能带给人一种有别于语言的表达。 而在120版本下，不仅仅是色彩，各个维度与细节都会异常的清晰与真实，而且所有存在于低版本3D电影中的晃动也都不见了。 这种清晰是一把双刃剑。 在另两个版本里，很多时候电影的画面都有主次之分，而在120帧版本下，一个镜头扫过来，连主角背后的人物和物体、环境，你都能看的一清二楚，观众很容易被带到其他信息上。 但是更清晰可能也意味着能让你在视觉之外有更多情感甚至是味觉的感受。B班用餐的那一段，林恩看餐台上的食物的时候，有一段香肠的短暂特写，在24帧与60帧版本下，你都很难注意到那几根香肠，但是在120帧版本下，你能看到香肠的色度非常艳丽，甚至会有看上去很可口的感觉。 在班长牺牲那一段，悍马上的M2机枪扫射到人身上时，24帧版本你会感觉人消失了，60帧版本你会看到人散成血雾了，120帧版本你能看到散成血块的人肉——是不是会感觉更加残忍？而在B班进住宅搜查那一段，120帧版本下，你能清楚的看到小男孩眼里隐忍着要夺眶而出的泪水。 这也就是120帧4K的意义：直到今日写稿，想起小男孩眼中的泪水，我都会不自觉的感觉到难过，而在另外两个版本中，小男孩的镜头难以从视觉上带给我触碰到情绪的东西。 所以说，在120帧版本下，在各个场景都更加真实，每个眼神都让人看得一清二楚的情况下，你也就更容易感受一年只挣一万四千八百美元的步兵（小说中林恩的收入）林恩的胆怯、孤独，以及自己的难过。 电影在北美并没有得到像在中国一样高的评价，这也并不意外。首先电影狠狠打了伊战的脸；其次从好莱坞的套路角度来讲，李安并没有讲出一个动人心魄的故事，这部电影他仍旧一如既往的混杂着东西方的思维，在影片之中又借班长之口讲出“我们天生就应该在战场上”这种宿命论的东方式信仰，或许对于中国观众来说易于接受，但是对于不少欧美观众来说可能就没那么好理解了。 影片没有很好的故事，也不那么好莱坞，但也正是这种拥有更多内心戏的影片，才能更容易让我们找到实验的结果：影像的真实程度能影响观众的感知与情感变化吗？ 我认为是可以的。第一遍看60帧版本的时候，我的情绪会有波动；第二遍看24帧的版本，我可以做到很冷眼旁观的感觉，当时我以为是因为我已经看过一遍，对于情节都有心理准备了；直到我看到120帧版本的时候，看到林恩被打倒在地的时候，仿佛一块石头压在了心上，你自己也感受到一种深刻的绝望，不自觉的流下泪来。
2 ) 比利·林恩的初体验
本文首发于微信公众号：玩儿电影
本文仅代表个人想法
本文避开所有关键剧情剧透
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在不断放出各种前期消息之后，《比利·林恩的中场战事》终于被本届纽约电影节列为特别展映单元的加场。正当所有人都在期待抢票的时候，官方却开启抽奖制度——只有获得中奖邮件的人才能购买本次展映的票。本以为早就没有希望的我，却在前一天收到了这个邮件，当时的心情真的是激动的无法形容。
除去下午不面对观众的官方首映，晚上9点这场成为了本次电影节面对观众的首场。完全没有任何前期的媒体评价的情况下，我们这一场所有的观众对影片的内容都一无所知，所以个个都是十分激动。影片开始前，李安导演本人来到了现场，为大家献上一小段演讲。这位已经在电影领域取得这么大成功的人，却依旧能够保持谦虚与和蔼，不禁让人肃然起敬。
虽然影院最大的银幕还在装修，本次所有的展映都在一间小影厅内举行。但是放映的配置完全是达标的，4K的超清画面，RealD3D的超级3D技术，以及本片最大的噱头120帧，都能在这里看到。有小伙伴问到我门票的问题，在这里说一下，本片的公众售卖价格是45美金，学生和会员则是35美金的优惠票。去年纽约电影节的头牌展映，《乔布斯》则是50美金一张门票。所以还是很良心的了。
本片最让人关心的，就是它的效果。RealD3D真的是完爆之前我看过的所有3D电影。片名出现在屏幕时，感觉并不是在银幕之内，而是完全浮现在你和银幕之间。子弹、爆炸、烟火、尘土，都跨越屏幕，朝你眼前飞来。一颗大树，你能看清楚，不同层次的树枝之间彼此分层，这点就让我震惊了很久。所以你会觉得，银幕不再是那块小小方方的幕布，而是将你本人完全包住，让你置身于现场一般。
120帧的效果，将成为本片最为争议的一点。画面运动过于流畅，反而让人觉得并不是在看电影，而是置身于现场。这样一来，这到底还是不是电影，成为了一个争议点。同样，4K的超清，放大每一处细节，反而更让观众有一种分不清现实与电影的错觉。RealD3D带来的分层效果，让你觉得远景和近景彼此分离，不再单独处于一个屏幕之上。所有上述几点的综合，使得本片是视觉效果站在一个崭新的制高点之上，但是同样带来的，是对整个电影行业的革新。
除去新颖的效果，剧情也是值得讨论的，注意，在本文中不会有大量剧透，大家可以放心往下看。《比利·林恩的中场战事》改编自同名小说，是两年前李安导演的一位同僚推荐给他的。影片围绕比利·林恩这名普通的美国士兵，因为在伊拉克战场立功而返回国内接受嘉奖。影片将重点放在比利和他的战友参加橄榄球赛中场演出这一天展开，同时穿插他在伊拉克战场的点点画面，对比地球两侧截然不同的样子。
李安导演对原著做了一定的改编，在这里便不多说。其实抛开技术层面来说，本片的剧情在李安的电影中算较弱。可能本身也和原著有脱不开的关系。 尽管这个短暂的中场休息表演只有二十多分钟，整个故事也只是一天的时间。但在这一天里，他真正理解了爱情、友情、亲情。在战争的残酷回忆，与美国社会的点点滴滴，他对自己的人生有着更深一层的认识。
李安用这段中场战事去见证这个男孩的成长，以小见大去折射战争给人们带来的反思与问题。与今年同样火爆的《萨利机长》不同，本片没有在强调英雄这两个字，而是更多去探讨他们常人的一面，他们凡人的一面。
影片有个画面令我印象深刻。在伊拉克时，执行任务之前，长官总会对每个手下都说一声“我爱你”。大家多半是不以为然，或是不屑一顾。但在影片最后之时，比利终于理解长官这么做的用意。此时他含着热泪对所有战友说“我爱你”时，大家也都同样报以回应。所谓的成长，不过是如此吧。
在片中饰演男主的乔·阿尔文是一名新人，此前没有出演过任何影片。能在第一部影片就出演李安的大片，让我觉得他肯定有非同常人的地方。就我个人的感觉来说，我很喜欢这个演员，而且他也有种别样的气质（我就是觉得他帅~~）。而克里斯汀·斯图尔特，在本片中不再演她自己——一个酷酷的女孩，而是真正融入她的角色，真的让人眼前一亮。李安导演的儿子李淳也参演了本片，表现也很出彩。
这部影片，是对整个电影行业的挑战。我在写这篇文章的时候，就听到了很多媒体都给出了恶评和差评。这点是可以理解的，毕竟李安是常识这个领域的第一人。这么多最前沿的技术交织在一起，没有些争议和讨论，也是不可能。
无论最后媒体评价如何，这样一个保持着谦逊的影人，怀着最为真诚的心，去制作自己想要的电影。同时又能保持一颗探索的心，去尝试最为先进的技术。就凭着这两点，我要给李安和《比利·林恩的中场战事》满星五星。
毕竟，看电影是很私人的事情。能让你感动，本身就足够了。
CharlesFRen
写于观影结束后的夜晚
10/15/2016
3 ) 面对乌烟瘴气的评论，是时候拿出点创作者的偏见了
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李安从来就不是一个划时代意义的革新者，他永远无法给电影带来如戈达尔那样里程碑式的影响与贡献。但他绝对是个一等一的改良者。区别在于，他没发明什么新东西，但他利用现有工具的能力绝对顶尖。在某种程度上，他的几个作品都是接近“极致”状态的。我不是说它们完美无瑕，而是他在具有对现有电影语言广博而扎实的掌握基础上，都为自己的表达找到了相对最好的方式。在这个寻找的过程中，冷不丁就会出现如本片一样具有重大意义的改良。120fps不是他发明的，是个在Digital Video领域已经存在的东西。我们在许多体育比赛的直播中也领略过了60fps/90fps的威力，说这个120帧与电视有不可分割的渊源好像也不太为过。但为什么只有李安想到了借用这个技术，去拍这样的题材，从而创造出这样几乎全新的电影表达方式？本质上，他不就是把已经存在并且普遍认为不太可能用来拍电影的东西，拍成了一部出色的电影。这么一讲，李安牛不牛逼不是很明显吗？
2
有些人啊，就是乃义务。借着filmmaking平民化的浪潮，以为自己拍过几部连电影都称不上的东西（或者只是看过一些电影，连制作经验都没有），就觉得自己可以指手画脚了。你真以为24fps和120fps在拍摄上的区别仅仅就是帧率快了5倍？依我看来，虽然最终效果不能说完美，但按照其中可能遇到的技术难度，已经是非常牛逼的级别了。我朝羸弱的电影工业、混乱的制片管理、糟糕的人才素质是根本没办法做出这样一部片子的。
首当其冲的自然是照明问题。简而言之，成本会急剧加大，麻烦会急剧增多。室内照明，达到同样曝光的前提下，光圈需要开大二又三分之一档（这样会带来景深的较大变化）或光圈不变，灯光亮度提高二又三分之一倍（不论是加灯还是换大功率灯都是件麻烦事，会有一连串连锁反应）。（感谢温丝儿提供的精确数据）室外照明稍好一些，大多是烈日当头的戏。但人物常常会需要补光，这时靠普通的反光板应该就没用了，需要人为加灯。比如两位班长罚男主角做单杠的场景。两位班长本来就站在阴影下，没有任何逻辑光源，就会非常黑，所以能看出有额外的灯打在他们身上提亮人物。而且应该很多普通24fps可以使用的灯光器材都不能用，因为在120fps高速摄影之下会有频闪。其次，要使用普通电影拍摄不太常用的摄影机，并且还是3D拍摄，难度又会加大。(ASC肯定有专访，目前还没机会看到，技术问题可能会更多)
之后就是化妆、美术、服装、表演等等，只要出现在画面里的东西，通通都会受影响。简而言之，很多人看完60/120版本的第一感觉是非常非常清晰。那就对所有这些部门提出了比一般电影更高级别的要求，没有两把刷子就会轻易露馅。特别是目前的成品效果，化妆部门绝对值得表扬。在这些技术难题的基础上，又有几场特别难拍的大戏。比如中场秀表演，比如枪战。还要再做很多后期特效（特效成本又因为120fps会急剧上涨……）。安叔能把整部片子齁住不崩掉已经是大功一件了。
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什么样的人就会拍什么样的电影，如果他足够诚实的话。
没错，李安是走中庸那一挂的。因为他本人激进的地方无关政治，也不在观点。他激进的是情感。但是某些人少把平庸和中庸划等号，偷换概念，偷鸡摸狗。一方面，少有导演的作品能够具有如此充沛的情感能量但丝毫与煽情和滥情沾不上边的。因为李安的中庸能让他把握好度，掌握好每一个节奏，让整部作品的情感推进达到丝丝入扣、错落有致的效果。另一方面，从跨文化的角度去理解，他的作品更是功德无量。中庸非普通，而只是诸多风格中的一种而已。按照风格平等的原则，中庸做到极致就是大师。
影向标里某人以“纯粹感官刺激”为由给这片打了个不及格的分数，那希胖子大概要从坟墓里爬出来扇你两个嘴巴子了。因为你看到的是表层的“感官”，我看到的是“体验”。这种体验是全方位的，通过导演运用各种手段塑造出来的。而且这个“体验”足够诚实，因为分明就带着李安这个人人格上的色彩。这个体验是独一无二式的“安”式体验，看李安的电影就像是在读他本人的一部分。这种诚实的创作需要太大的勇气，就像是脱了衣服在公众场合给人看一样的感觉（做过创作的人都会明白）。如此这般还不是个牛逼的电影作者，那什么才是？
4
一个人的真实与TA在公众那里被认知的形象可以有很大的差别。而一旦有了这样的差别，便会产生一种奇怪的张力。
电影制作的过程其实充满了未知和偶然，简而言之，变数是很大的，创作者不可控的因素可能很多。一个人可以在不经意之间凭借某种偶然，从而使得某个作品变得有点特别，而这个特别刚好又戳中了当时某些位置很重要的人的G点，继而产生巨大的影响。（参见霸王别姬……）而这种影响对于一个人很可能又是标签式的，一生一次的，从而让他的公众形象被长时间定义。（参见陈凯歌与霸王别姬……）虽然道理上讲，对自我最了解的人一定是自我，但面对山呼海啸的外界定义，一个人又很难岿然不动，所以他当然就会感知到这两者之间的差异。稍微控制不好的人就会被外在的定义所绑架，从而很可能踏上一条无比危险的道路就是——努力让“我”变成一个“非我”的东西。我承认这种偶然性是电影艺术魅力的一部分，也是电影创作神秘感的一种。但它也真的是害人不浅，就像诅咒一样，会让有些人以为自己可以，但其实自己也许真的不可以……（目光再次投向凯哥……）
李安在这片里说的很明白了：It's written, it's meant to be. 我举四只蹄子同意。一个人自己最清楚自己适合做什么，不适合做什么。可怕的是我们总是太忙于去在乎别人做得怎么样，而没空去认知自己到底应该做什么。如果整天想着别人都可以做xxx，我为什么不可以做xxx，那就坏了。这样不仅会去做不适合的事情，还会让本来就不清晰的“自我”变得更加被扭曲。
李安特别牛逼的一点就是，他能在保持对自己深刻“自知”的基础上，还能通过持续探索去挖掘自己的潜力。他的自觉意识是很强的，但他没有停止对自己未知的自觉的挖掘。他本人的创作也是一个逐渐放开的过程（艺高人胆大嘛）。你可以说其实他每一步都是baby steps，但因为对自己有特别理性的认知做前提，这每一小步的含金量可都是不小的。而且它对于个人的意义来讲可以被放到很大。你就试想你在众人瞩目之下踏出自己comfort zone的感觉吧，而且踏完了还要迎接各种评论的吊打，真的很恐怖的好吗！
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我不懂学术，没什么理论基础。但要我评价李安，一定会放在两个大框架之下去看。内容（表达）上，他是深受传统戏剧影响的。手法上，他是好莱坞经典叙事和连续性剪辑的学生。
刚好昨晚看了今年戛纳的《毕业会考》，第一次看蒙吉的片。一场一镜，手持长镜头，特别新现实主义。这种风格追求的几乎是传统戏剧的反面：去掉表演，去掉功能性，去掉设计感，强调现实生活的零散与随机。有趣的是，李安在中场战事里的某几场戏也是用了自己不太常用的一镜到底的拍法。但他传统戏剧式的表达和新现实主义的东西就是很不一样的。他追求的其实确实是功能性。这种功能性是通过设计、处理，是通过很多调度手段来达到的，可以是事件、台词、行为动作、表情以及镜头等等。关键在于，传统戏剧的表达本来就天然具备很强的功能性。它本身和生活的现实就是有很大区别的。功能性不可能不存在，只有程度的大小，以及使用上段位的高低。特别差的那种相信大家看过很多烂片都有所体会。特别好的就会让你仿佛觉得这个故事很可信。但实际上哪有戏剧就和现实完全划等号的？因为戏剧再怎么写实，都是有表达的。它的剧本背后有个驱动力，来自于创作者的意念。这个意念就驱使创作者要用功能性让作品走向某个方向。在我看来，本片是不存在什么人物、情节太功能性的问题的，而且很多看似有点刻意的设计，都在逻辑上是可以解释的，一点不牵强。所以就没问题。况且整个片情节缩小到一天之内，从头到尾，按照时间顺序流淌下来，闪回的穿插点也都很顺畅，颇像一个公路片，算是很高明的方式了。
所以那些说李安为何不这样这样拍，或者那样那样拍的人不要叫唤了。首先你们提出来的很多东西就不在李安的创作手段之内，风格差太远，风马牛不相及，听你指挥就只能拍出来更糟糕的《路边野餐》。再次，就像我上面说的，李安是一个自洽的整体，你把你的意志真要强加给他的话，李安本人也就灰飞烟灭了，不存在了。说白了就是，我就是我，你要让我去做一点不是我的东西那我就不可能是我了。希望这个逻辑可以让今后此类所有的建议都被淋淋吸走。
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我发现很蠢的人看电影就是灾难。我特别烦很多人对这部电影所要表达的东西作出很多自以为很到位实际上肤浅到可笑的理解。李安自己都说了，原著小说其实很意识流的。所以你真以为你那么点脑袋瓜子想出来的东西就可以把大家打发了？还非要别人欣赏你的解读吗？
什么一提到结尾就是美国主旋律啊，或者自动联想到反战主题啊（这个太蠢惹你没看到最后男主又回去参战了吗……），或者就说他就是明显不适应回国的生活啊还要去战场上过瘾啊（这个倒也不是完全错的，但是只停留在这就太差了）之类的。Come on! Is this the best you can do? 这些人很奇怪的是他们把电影这个本身可以很复杂的东西简化成了数学等式一般的确定、套路和二元。说这个片太圆滑完整没有思考空间的人其实那是因为你就没想思考好吗？只是留白的确不是李安玩得最精的东西罢了。别说这片了，真想思考的话，小时代里都能看出哲学呢。
我确实有朋友给我反映说，看完觉得结尾有点主旋律。我告诉她，别把主人公回归战场的行为简单的理解成爱国，而是当成一个个人选择去看，其实就会看到更多。这就算一个开始。
拍电影不是写议论文，不是做演说。所以这也是为什么经常有人问电影导演你拍这个想表达啥/你为什么要这样拍/你为什么想拍这个等等这类问题的时候通常得不到明确答案的原因。因为如果他要拍的东西给你用语言能说清楚的话他干嘛不为低碳经济做贡献而是去大费周章组个什么剧组折腾几个月花那么多钱拍电影，他直接讲给你听或者写篇文章表达一下中心思想不就完了？？？而且还有一点必须要明确的就是，作品完成的那一刻，就与创作者脱离关系了。作品是用来给大家看的，不是光给作者自己看的（当然他的初衷可以是为自己而拍）。意思就是每个人都可以对作品产生自己的理解，而这也是艺术作品最大的价值所在。作品是独立于创作者和受众之外的第三个个体，创作者的意图已经并不重要了。因为严格来讲那是属于人家的隐私，人家想不告诉你就不告诉你。如果一个人对艺术作品没有自己的理解，就无法与他产生紧密的联系，就没办法把它融入到自己审美经验当中去，就不会有独特而私密的审美体验，从而这个艺术作品对他的价值就几乎是零！
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缺点当然有。120还没机会看，60相比24的话，表演上的痕迹就已经重了不少。另外某几处节奏有点小问题。中场秀结束之后的部分略微有点长。一些调度太舞台剧以至于和影片形式上所追求的临场感有点背道而驰。但这些都是我个人的体会，而且很多都是吹毛求疵，也不太可能避免（鉴于李安本人所属的框架）。所以这片肯定不是完美的。但它已经让我看到了一种全新的表达方式。一种曾经被忽略，或者甚至被唾弃、嘲笑没有电影感的技术，最终真的成就了一部出色的电影。而且我已经能看到这种新技术将来可能的用武之地，比如我们应该都期待一部120fps的纪录片（最好还是3D 4K的）看起来会有多么震撼吧！
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如果我说了这么多还有人唧唧歪歪什么的，那也不怕，不是还有那句杀手锏嘛：
你行你上呗！！！
（本人非电影理论专业人士，技术上的东西也可能有不准确的地方，欢迎指正！）
4 ) 当大家都在谈论120之时，这里来却要分析一下这片要表现的内核
看这部电影之前，心里一直很疑惑，《比利·林恩的中场战事》究竟是一部怎样的电影。因为围绕这部电影的全都是120帧、3D、4K这些字眼，依我看来，电影是蒙太奇的一门艺术，所有围绕在电影内外的元素都可以成为艺术表现形式，当然技术手段也不例外。但之前还从未有一部在未公映之前如此大张旗鼓的无数次将技术手段摆在第一。
一度我以为，这部电影只有技术看点而已，但是，120帧，又不是所有人能看到，全球只有五家电影院能够罩得住，也是老生常谈。
不，这很不李安
这有一句话叫做“3D，是商人赚钱的道具，是大师拍电影的工具”，用于形容李安再恰当不过。 作为一名电影营销人士，等看完这部电影之后，我才了解到，为这部电影造势的唯一方式，或许只有技术手段。因为真正的好电影，就是看完有千言万语，但是却常常无从说起。这些不是电影卖点，却是《比利·林恩的中场战事》（以下简称《中场战事》）的内涵。
这部电影看了两遍，一遍120帧，一遍普通版，至于二者区别，大家说得太多了我这也无需多言了。但当所有人在力挺技术革新、120帧、3D、4K等等。我偏不，我就是要研究这部有着高新技术的作品技术之外的内容。 那么这部电影，究竟讲了一个怎样的故事呢。这部电影《中场战事》，究竟想表达怎样的内涵呢？ 李安，是迄今为止，唯一一个，既能拍好中国片，又能拍好外国片的华人导演。
这个颇具人文精神的导演，用句俗话来说就是“文化人”。他的作品中有着深谙中式传统文化的《喜宴》《饮食男女》，也有用武侠文化打开世界之窗的《卧虎藏龙》。《断背山》《少年派》让他两度封神奥斯卡。在东西方文化差异的面对。对于这个能够通吃东西方的导演，他最大的杀手锏就是人文。
反战吗？不！主旋律吗？不！
一场华丽丽的中场秀，伊拉克战争中的国家英雄，被邀请至球赛的中场休息时亮相，就是这么一个简单的故事，但表达的内容多种多样。有人认为，这是一部反战电影，老生常谈。也有人认为，电影是在向西方世界谄媚，美国的主旋律。这其中无非是一个左或者右的站位。
但对于一位人文系导演，想必来自东方的李安，没有必要在西方世界站队。人文精神，是这部电影的核心。 电影中，这群来自伊拉克的英雄在中场表演中都面对了什么呢？ 满嘴跑火车的制片人，利益为上的老板，萍水相逢的拉拉队员，在短短的一天之内中，经历了从受捧、受拥护、被邀请、被开玩笑、被遗弃、被围殴，这帮大兵们，用一句北方方言来形容，就是“生瓜蛋”。来的时候一无所知，走的时候一脸懵逼，很多人或许都搞不清这一天都发生了什么事。然而结束之后，他们还要匆匆赶回伊拉克。 按理说，血气方刚的小伙子们，乘兴而来败兴而归，遇到这种事情，想必很多人都会脱口而出“老子不干了，爱谁谁”。那么这部电影就成为稀松平常的反战片了。
然而最后，比利·林恩还是放弃了假的医疗证明，跟大伙回到了战场上，难道是在歌颂这帮平民英雄，不计酬劳，也要为国效力吗？那就成了主旋律了。
两个世界的奇幻漂流
在这么一个简单的故事下，电影的信息量其实很大。 从枪林弹雨的战场，到载歌载舞的中场秀，以比利·林恩为视角，这帮大兵们来到一个陌生的世界，那些无法与世界产生联结的感觉，在大量情节中被一一展示。或许当所有故事结束之后，所有人的脑中都是一个个“黑人问号脸”。
我们打仗究竟为了谁？我们应该是英雄，为什么如今却成了这个样子？ 之所以成为这样的原因就是，就是因为当下这个美国大环境，任何人无法左右的事实，就是“Who care”你是谁。 就像美国大选针锋相对一样，不妨让我们回溯当年伊拉克战争时期，美国的民间意愿，有的支持有的反对，一场战争，能让美国政界从中获利，也能让华尔街那帮人怨声载道。在这个时候，战争英雄的光临，是正确的人出现在错误的时间上。 残酷的战争和荒诞的表演，双面人生究竟哪个是真实的，哪个是真正的归宿，我们究竟有没有选择。主角与大兵们在一天内的遭遇，却是整个美国社会的剪影。
现在正在打仗吗？跟我无关。 我管你是什么战争英雄还是什么高级人物，我们所关心的，就是作为老板的我，能不能挣到更多钱。作为制片人的我，能不能接到下一单有噱头的生意。作为工作人员的我，能不能顺利让中场秀顺利结束。作为粉丝的我，能不能看到真命天女，能不能让我支持的球队获胜。 你们从哪来，回哪儿去吧，该干什么干什么
战争与表演，你都无法左右
中国有句俗语：“用得着你，你就是孙猴子；用不着你，你就是猴孙子。” 不比二战时期美国民众群情激昂，不比越战时期一边倒的反对。如今这个时代，美国人的危机感不在强烈，“战争英雄”这个头衔已经好久不见了。 你之所以上战场，就是因为你是一名士兵，你救人，是你应该的。我之所以揍你，就是你们装逼，阻碍我们的工作。 总之，他们不该在这里出现 就像比利·林恩，之所以参军，是因为给姐姐报仇，而不得不入伍。电影开场悍马车中，几位都将自己入伍的原因说了一遍，理由五花八门，但没有一个是传统意义上的那种“热血青年”。
电影传达的，有着人生的选择，也有着无法左右的环境。 只是一场作秀，比利·林恩们已经被作秀哄抬到这个地步，假如这个时候选择退伍，这才是大新闻。 摆在他面前的只有一条路，身为士兵，理应回到战场，也不得不回到战场。
一场作秀，几位所谓的“战斗英雄”，终究是政治家、商人赚钱眼球和商机的道具而已。用完之后，就没人管你们了。
李安的人文情结
在这个大环境下，没人在乎你究竟干了什么。举个例子，好比键盘侠，无论你费了多大劲干了怎样怎样的大事，自我感觉很良好。然而对方打一行字就可以否定你的一切，你上哪说理去？ 李安在这部电影里，关注的就是这里。既不反战也不是主旋律，而是平心气和的描述一个事实。而120帧，只是一个让你身临其境，切身感受的角色心境的手段而已。
有个特殊的设定，当处于第一人称视角时与对方交谈时，镜头拉得很近，几乎就是面对面的感觉，对方脸上的痦子皱纹看得一清二楚。这在很多电影中都不会见到这类取景，就是为了让你拥有一种VR体验一样。 大兵们来了又走了，用徐志摩的话说“不带走一片云彩”，当然也没有留下任何印象。唯一的牵挂，就是家人盼望大兵们的回归，至于那个萍水相逢的拉拉队员呢，得知对方的想法之后一脸失望，是与爱人分别的那种失望？或许，她只是觉得你最后的想法不够英雄，我的少女心想要的，只是一个“英雄”的你而已。
或许，在如今这个时代，“英雄”这的名字，只有在应付这件事上管用。 没人在乎你是谁，真正关注你的，只有你身边的人。但却又不得不与他们的期望背道而驰。 还记得片中，伊拉克战场上，有一尊人身象头的佛像吗？这是象头神迦尼萨，在印度教中代表着命运之神。传说是一尊凶猛之恶鬼神，后来依佛法，引率九千八百大鬼军，镇压三千世界，奉守三宝，成就一切善事，在印度很多地方，也将其奉为财神。或许这尊佛像，代表着士兵们所期望达到的一种境界。战场上英勇杀敌，载誉而归，收获人财。 但是，命运之下，这个期望在中场表演之后，又剩下什么呢？恐怕从返程中，悍马车中鸦雀无声的大兵身上能够体会。
爱人与战友，家庭与战场，一场乱入的中场秀，就像一场梦一样，一名士兵，更清楚的认识到自己，其实只是小角色、小把戏。120帧？则是让这场梦更真实而已。
5 ) 一个存在主义者如何回答“普度众生”的问题？
作为一个看《少年派》不下十遍的李安迷，我已经很习惯李安的套路。李安善用暗语，真正的表达和看不见的情绪推动，全部是在冰山之下，要前后结合起来思考的。在这里，我慢慢把自己看见的一些暗线挖出来，昨天晚上刚看的，有很多细节之处可能会有偏差，还请大家指正。
让我们先从“美色”这条线来看。这条线的明线是：林恩和姐姐对话，说明自己是处男。接着作为英雄接受采访，十分钟后跟美丽的菲姗make out。球赛开始，奏乐，在这个圣神的时刻林恩对未来生活产生极其美好的幻想，泪流满面。歌舞表演结束后，B班和工作人员争执，啦啦队姑娘们来拉手走下去，此时林恩和菲姗有了第二次对话，这一段很平淡的对话里藏了很深的玄机。最后，两人在比赛结束后接吻，告别。林恩看到姐姐，又说了这句话：我可能到死都是处男。
在这条线中，大家可以先思考的问题有这么几个：
1、一个长得不错的德州白人男生，为什么19岁还是处男？（这不符合常理）
2、情绪高潮的性幻想，大房子，金毛狗，为什么导演刻意安排的是女上位？为什么比利当时会泪流满面？
3、菲姗和林恩的第二次对话中，说道自己为了琐事烦恼，提到（引擎作响，室友的猫把沙发抓破了），这两句台词是什么含义？
4、告别的时候，菲姗对林恩表达崇拜，大家都解读出来她爱的是英雄的标签，为什么最后林恩对姐姐说自己仍然是处男? （否认和抹去刚刚发生的一切）
第二条线则是“食物”，人活着，最重要的东西是什么，就是吃饭而已。从《饮食男女》开始，李安对于食物的语言和意义就已经驾驭得相当纯属，吃什么，和谁吃，怎么吃，食物本身就带来了一切尽在不言中的种种含义。我们回顾一下从影片开始：林恩刚刚回家的时候，母亲说做芝士焗鸡给他吃，冰箱里已经放满了他喜欢的可乐和Dr.Pepper。家人的晚饭，菜品是可乐、芝士焗鸡（火鸡）以及一大坨很难看的藜麦。进入体育场内，两边售卖的Papa Johns， Burger King 和各种香肠。刚刚坐下来的时候，他们盯着前面的观众端着大份的Burger和薯条，有了这样一段对话：“你说这些人在想什么呢？”“深沉的问题吧，哲学，上帝，生命的意义。” 接下来，是华丽的午饭，镜头特写又落到了羽毛装饰的火鸡上，被装饰得丰满华丽的自助餐吧，然后是狼吞虎咽的B班大兵们，吓到了旁边穿香奈儿套装的一位老奶奶。餐桌上，一位页岩气开发商过来对话，然后被当成出气筒骂了。之后，B班大兵回到座位上，买来的饮料是一人一杯咖啡。中间有人突然拿到一瓶Whisky，藏起来（重要，注意！） 并不知道那瓶Whisky是哪里来的，只知道有人送的。另一个和食品有关的暗语是“头疼药”，一共出现了三次，从车上跟manager要，到了会场后manager忘记给他，后来见完大老板之后给比利了。此外，牵强一点地说，死去的上校名字，也和食物有关，他叫“蘑菇”（Mushroom）。
在食物这条线中，大家可以思考这么几个问题：
1、为什么死去的上校叫Mushroom（蘑菇）？你知道蘑菇是什么的话，其实也就可以理解为什么导演会这样取名了。
2、林恩的家庭晚餐，火鸡，藜麦，可乐，整个餐桌上的画面色彩是非常单调的。儿子载誉归来，为什么我们却完全感觉不到欢乐、庆祝的家庭氛围？
3、导演用食物渲染普通美国民众，肥胖、臃肿、粗鄙，无节制的喝可乐、吃汉堡、吃薯条、披萨的样子，是为了说明什么?
4、在那顿很华丽的午餐中，为什么导演要刻意渲染大兵们狼吞虎咽，惊呆四座的样子？当中有一句重要的台词是：体育场的蛋糕太好吃了（The Stadium Cake is so good), 为什么导演选中的食物是一块没有营养的奶油蛋糕 (而不是鹅肝、牛排等更好更高级的食物）？
5、“头痛药”前后三次的出现，都在说明什么？
6、那瓶Whisky是从哪里来的？怎么忽然就有人送他们whisky了，那是谁呢？为什么要送他们Whsiky呢？
最后，刚刚提出的所有问题，明线暗线，可能都要串联到“金钱”“贫富”的主题上来。关于金钱这条线：从高级酒店，加长悍马开始，我们有了一个华丽的场景开端。悍马上黑人公关说，拍电影，一人十万美金，然后他们开始讨论十万美金要拿来买什么。镜头跳转，比利回家，他家的楼很破，年久失修的样子。和嫂子对话，说哥哥出去打工了（后来这个哥哥在整个家庭场景都没有出现）。父亲瘫痪。再到姐姐身上的疤痕，深夜打工开车回来被一辆奔驰撞了，在医院时未婚夫甩了姐姐，比利愤怒地砸烂了有钱未婚夫的新跑车，才被迫入伍。大老板，球队的拥有者Ogasby，第一次问候他们、在镜头面前表达对英雄的崇敬，第二次出现则是和他们谈合约，画风突转。吃饭时，谈到退伍后，有一名技术兵说道自己可以去IT企业，收入很好。中间和waiter小哥一起抽烟，三个人说有人花二十万美金只为了能买个座位的权利，而自己要养家，待遇太差了，也想去当兵，能拿到六千美金，还有很好的福利待遇。三个人默默无语，抽完一支烟。再转回拍电影，十万的报价，希望落空，唯一的offer只要班长和林恩，变成了每人5500美金的巨大落差。到最后结束前，姐姐来找他，开了一辆显然很旧的酒红色二手车。
金钱，是现代社会中所有行动和所有存在的根本原动力。食物、衣着、住房，也无不跟金钱有关，在单纯的金钱线中，我们可以思考的问题是：
1、林恩和B班的大兵们，从他们想买的东西来看，说明他们的原生家庭状况如何？
2、从林恩的家庭结构和家庭成员来看，为什么他们的家庭较穷？
3、姐姐想把林恩留下来，除了负罪感和舍不得，还有什么更深层次的原因吗？
4、关于金钱的矛盾激化，在老板身上得到体现，老板将他们请来体育场，在镜头面前各种尊敬和崇拜几乎流泪，到会议室里谈电影Offer的冷酷无情，老板在想什么？
5、为什么吃午饭的时候，做页岩气的企业家如此友好，却激怒了班长？
6、剧中下台之后，大兵和工作人员发生第一次矛盾冲突，与在停车场内工作人员冲上来打人，为什么这些基层工作人员对他们如此粗暴野蛮，甚至还要冲上来报复？ （临时工啊，临时工）
好，三条线，几个主要问题讲完了。接下来我们一层层地把冲突、矛盾和价值观的变化，重新构建起来，最终理解，导演在这部戏中，怎样一层层地构建梦想，再打破梦想，最后来完成了——大乘佛教与存在主义深刻结合的哲学表达。
整部电影要探讨的核心问题是：比利林恩的自我价值，幻想，崩塌，与重建。
在第一层，我们看见的是荣耀，是大兵们牺牲自己而保卫国家，得到关注和荣誉。此时，他们的意义被构建为国家的英雄，是众人的骄傲。大兵们自己也在这个角色中感到非常飘飘然，这是他们的第一层幻觉，我是英雄，我正在被崇拜、被欣赏，我们可以和真命天女一起演出，我们在全国上各种主流媒体得到关注。这是第一层的幻梦。
然后，第一层幻梦就很快被破掉了。“有时候我在想，我们这样的人是不是值得被保护？”脑满肠肥的，庸俗不堪，甚至对他们恶言相向的普通民众。很快打破了这种我为人民的幻想。
当他们开始讲冠冕堂皇地话的时候。当比利是为了避免入狱而不得不参军的时候。当他们在媒体面前美化自己的军旅生涯的时候。他们回到第二层的现实——参军也许并非是一种主动的、为意义献身的伟大选择。它其实是每个人出于无奈，走投无路而被迫做出的选择。就像此时此刻银色勋章加身的比利，其实只是为了避免入狱、为了姐姐才不得不参军。就像他们被认为是英雄的那场战役，紧张、混乱而没有章法，策略失误和mushroom的牺牲。他因为那一天而成为英雄，那却是他生命中最糟糕的一天，并不光荣，也并不伟大的一天。
从无所不能的英雄开始，李安轻轻就破掉了这个云端的幻梦，把他们拉到了深深的地底，每个人都在自己的生活深渊中挣扎，都只是在美国社会中没有选择的普通人。比利问班长，如果你有选择，你还会回伊拉克吗？班长说了三次，我没有其他选择，所以这个问题根本就不是一个问题。
其实，英雄是假象，没有选择，才是真相。那么，我们因为穷，因为我们无能为力，因为没有其他选择，采取参与战争，我们是loser，这就是全部的意义和答案吗？
这里，还有第三层的幻想，我们曾经没有选择，那今天，当我们已经是英雄之后，是否可以用英雄的名义，来商业社会换一个合理的价码，也算是对自己的一种补偿。上媒体，站台，被采访，都是虚假的光环，但随之可能而来的“十万美金”，却是所有大兵们一直念念不忘最重要的事情。人可不可以单纯地给自己一个对价，把自己当成某种商品出售呢？钱带来某种安全感，选择权，和人生被改变的喜悦。是否可能呢？
而十万美金标志着的，从“英雄”到“成功变现”的路径，最终被证明走不通。每个人都会问自己，我的价值在哪里？我真的有价值吗？对于B班的同学来说，他们将自己的英雄价值，锚定在了拍电影的10万美金Offer上。活在商业社会久了的人，都知道用价码来衡量一切。那么，什么虚无的、爱国的的意义如果不能被“庸俗众人”认同
班长与比利在老板会议室里，因为5500美金，而感到自己像乞丐般受辱，最后说：sometimes nothing is better than something。有时候，什么都没有，比有一点总好。这句话背后，其实有两层意思，第一层是，如果商业社会给出的价码够高，好，那么我们其实是不介意卖自己的。但第二层，心理落差，带来的价码落差之后，就像“英雄值十万”在三小时后通货膨胀就贬值到了“五千五百美金”的时刻，就是自我价值摔得粉碎的时刻。
好，第三个商业变现的梦想破灭了。自我价值该去哪里寻找？
这个体育场不属于他们，这个社会，这些梦想，可能也不属于他们。属于他们的，可能只有战场，真实的，伊拉克战场，真实的远方。他们只拥有彼此，也只属于彼此。
回到悍马车，开往营地。他们如释重负地说，I love u。共同经历一场幻梦，一场破灭，而最终，一切就像是一块好吃却没有营养的奶油蛋糕，像是烟花瞬间绽放却毫无真实。所以，任何事，其实都只是人，面对自己的本心，自己当下状况的选择。当它被标签化，被阐释、被放大，被解读，甚至可以交换和买卖的时候，都只是带来更多痛苦的妄念和假象。
印度教，mushroom，谈因果，谈something larger than life，象征物是那一只白象雕塑。佛教建立在三条绝对真理上，诸行无常，诸受皆苦，诸法无我。而这里值得注意的是，诸行无常和诸受皆苦这两个法印，是古印度智者们早已发现的真理，“诸法无我”是佛陀自己发现的真理。那么，李安选择的是“印度教”，而不是“佛教”的象征隐喻，恰恰是因为，他对诸行无常，诸受皆苦的两个客观真理作出的解答，和佛教不一样。
诸法无我，是佛陀说，痛苦产生于我们的心，如果我们在任何当下都能达到无我的状态，痛苦便无所依附，也无法产生了。
而李安说，诸行无常，诸受皆苦，人在社会中无力，又被各种幻象和外境折磨。我们做不到无我，但我们可以选择全部的我，用最大的诚实，和最大的勇气，来面对现实。纵使没有选择，纵使有软弱和痛苦，但这，就是生命本身。这，就是存在本身。我们不再需要寻找，“赚钱”“做英雄”“保卫国家”这些虚无的，美国梦般的意义。梦碎了，人不骗自己。来这个世界上，人要向前走，人只能也必须向前走。
这是尼采，是加缪，是陀思妥耶夫斯基的回答。
地藏王菩萨发愿，地狱不空誓不成佛。每个英雄都说自己普度众生。空中楼阁的意义面对腐烂又浅薄的大众，你这一生所有的血泪真的是为这些人而流？
谭嗣同拿断头台唤醒观众，康有为终究被翻案定性为小人，台面上的人都只留下标签和脸谱，比生命中最惨的一天变成荣耀，媒体嗜血撕咬你作为一个人最深的伤口。终有一天，我么不在寻求理解，不在寻求作为一个人意义上的解释和诉说。
众生不是你旁边的那一个，它中就必须是个虚无到哲学意义上的概念。世界上有一些工作必须要去做，有一些责任必须要去承担。存在的主体终究明白责任只是对自己的救赎，与他人有关，又与他人彻底无关。
存在先于本质是萨特，不动声色地讲Karma是李安。观众们在台下嬉笑怒骂随意评论，英雄们存在与自己的存在。
因为，我始终明白，自己这一生的责任。
6 ) 革新，还是倒退？
这便是《比利·林恩的中场战事》产生观影不适的原因。尤其是李安仍然用传统的电影制作模式（也即依赖蒙太奇讲故事），更加放大了这种不适。如果李安能够提前发现帧数变化随身带来的这个陷阱，那么他很可以借某些方式（比如减少剪辑频率）掩盖这一缺陷。但事实是，为了突出高帧技术能够带来的观影革命，李安非但没有让剪辑的频率降低，反而增多了。
这其实也可以理解。因为要让观众更清晰地观察到画面的全部细节，全景与远景便失去了实际的效用，近景与特写应当尽可能地多一些。因而，我们看到在《比利·林恩的中场战事》中从头至尾展示的脸部特写，再加之场景对话以直接又机械的正反打完成，便产生了一种时间的停滞感跟场景的平面化，而这与电影本身追求的叙事性和3D影像的立体感具有不可调和的矛盾。
观众停滞于每一个镜头中，总是不经意地被人物脸部的细微表情所吸引，但还没等他们适度地沉浸其中，便立马被快速的剪辑运动推入下一组镜头。这种被卷入、抛出，再次卷入、抛出的反复遭遇构成了观众在《比利·林恩的中场战事》这部电影中获得的观影体验。与此同时，近景和特写不断瓦解了对话的场景感，变成平面化的呈示，这与影片所采用的3D拍摄理念背道而驰。
这是整部电影的两个内在矛盾，来自于传统的叙事方式已经不再能适应新技术提出的要求。为了保护高帧技术带来的清晰优势，李安按着时间线亦步亦趋地安排整个故事的讲述，然后在关键节点通过闪回不断回溯。这不是电影的未来，反而有一种退化在其中。闪回这种极为机械的叙述方式虽然是默片惯常采用的手法，但出现在这两类电影中有本质区别。比如《比利·林恩的中场战事》中的特写 ／表情未能产生《圣女贞德蒙难记》中特写 ／表情具有的动情力量的原因就在于前者的影像以现实为衡量准则，而后者通过一种表现的方式获致更高级的真实。
但同时，《比利·林恩的中场战事》似乎也以一个反面教训为我们指出了电影的某条未来之路。高帧技术当然值得称颂，不应当放弃任何技术变化可能对观影体验带来的革命。但它似乎更加适用于一种长镜头的塑造，而不是蒙太奇的讲诉。长镜头保证了影像时间的绵延，这样能更强力地为观影给予浸透式体验，同时长镜头的使用必然在某种程度上削减剪辑的频率与数量，这样便能让高帧技术本身固有的（不可克服的）剪辑断裂不那么明显地被感知到。
更清晰并不意味着更真实，艺术的真实总是重构的。正如佩索阿所言：“诗人是造假者／假造得如此彻底／以致能假造／真切感受到的痛／那些读他作品的人/充分感受到的痛/不是他有过的两种痛/而仅是他们所没有的”。这里的诗人同样可以是其他艺术家：虚假往往比照搬现实能产生更大的强力。
“人们忘性大，在好莱坞过两周就像过了两年” 120帧初体验，文戏部分无直观差别，每个人的脸都清晰如潮红，纤毫毕现，太挑战演员的皮肤。最明显的是5分钟战场戏，枪林弹雨，身临其境，但太短了…开头战争时间“2004.10.23”植入了安叔生日，儿子李淳相对酱油。“我的每一刻都是你的”
很多人说李安是用东方人的情感，表达西方人的故事；用西方人的技术，拍东方人的哲学。其实在人性深处，哪有什么东方西方，我们的焦虑，我们的恐惧，我们的困惑，我们的愤怒，以及我们的爱，都是一样的。痛苦是个人的，痛苦也是全人类的。
120帧+4K+3D，摄影机每秒都很诚实，1秒120次。剧情和技术是交互的，拍法有代入，主观镜头和碎碎念不像电影，更像一种生活体验。两个空间的平行剪辑，混淆了战场与生活，大众看到的战争不过是被媒体“包装”出来的，唯有士兵自己才知道战争的真正意义。相比中场，战场似乎更安全，很讽刺。
最触动我的是结尾处林恩对拉拉队女孩只透露出一点离开军队的念头，女孩就瞬间变脸，全然不似刚才甜美的模样。我想起大学时我最喜欢的电影“她比烟花寂寞”，大提琴家杜普蕾患上绝症后用难以听清的口音艰难说出“When you play,everyone loves you;when you stop,you are alone.”
2.5。安叔也有能力拍奥运开幕式。像第一次看真人秀像家里大人带着第一次去逛大中电器的液晶电视区。高帧率的愿望也许是身临其境却依然用浅景深拍摄。清晰的前景与虚化的背景让高清画面显得更假。技术更新了新的电影语言也应该配套升级。探索可敬余勇可贾。
从未离电影中的角色这么近，都能看到演员眼睛里的血丝，这不是一部主旋律，也不是一部反战片，这就是一个男孩的成长，在人生的一个节点，学会主动的做出自己的选择，走自己的路。对于战争的看法，片子每个人都有自己的看法，终究不是士兵们眼里的战争，士兵们的战争，只有上过战场的他们才会懂。
美国人对战争的态度几十年来一直在倒退，当年批判越战的电影可不是这样。一边回放残酷的血淋淋的战争画面，一边又和战友们打趣说笑，“战友情义”就能让一切的怀疑消解吗？那怀疑的意义在哪里。不知男主的姐姐有未被说服，反正我没有。另外一味批评高帧率有什么意义，换成正常帧率内容也不变啊
这部电影让我想在结束前冲出影院大哭一场，很久没看到这么沉重的电影了。那场show里的真命天女组合从头到尾都是背影，主角站在大屏幕前，头脑里浮现出伊拉克的战争画面，而此时此刻，周围是明星、焰火、欢呼的美国人，那一刻，我真想大哭一场。李安把人更深的孤独（想不出更好的词）拍得那么好！
看到中间差点悲愤得夺门而出。有人为了6000刀的补贴赌上性命奔赴沙场，有人随便花几万刀就为了抢一场球赛的前排座位。军人在战场每日面对生死和炸弹，而你所保卫的国家的人，他们只关心你们是不是搞同性恋。
4K 120帧 RealD3D 将观众瞬间拉近电影里 开启电影的新纪元 字符子弹烟花全都飞出屏幕 浮现在眼前 这不是关于战争的电影 更是一个男孩在地球另一侧的成长 短暂的中场休息 却让他意识到更为远大的人生和目标 这才是其真正的含义吧
时间会证明这是电影史的一座里程碑。
比利林恩们的痛苦被大众无耻无情地消费 家人不理解 制片商利用 还有各种猥琐的讥讽和挑衅 就连喜欢的姑娘也只是爱自己英雄的头衔 没人在乎他们在战场上到底经历了什么 再漫长的中场休息也只是孤独的煎熬 一旦入了军营 就再也出不来了 也许只有战死才是归宿 感谢安叔亲身经历般的120帧4K体验 电影的未来
3D电影的未来一定是高帧数的天下。这部电影就算没打开未来的大门，也指出了明确的方向。
和想象中的不一样，一种慢慢浸透的真实感，在战争戏和Half time show这种需要现场感的场景非常有效。李安说自己抛砖引玉，每次看李安的电影都是种享受，不论从拍摄方面还是人生方面都会学到很多。能看这种导演的电影实在是荣幸
我晕帧
都嗷嗷什么鬼120帧啊，有几个真的在看电影啊，为毛没人说这个电影就是没什么故事，或者说讲了个特别土的故事，从事件人物到价值观都土，李安以往最会的那种，在有限的电影空间里传达无限暧昧可能性的神手笔几乎没用上。四星给稳定的制作水平和眼珠子美得想攒在手里偷走的鲜肉男主
开场前李安一直说，我们做得还不够好，我反倒觉得，技术已经够好了，情节反而大大削弱。
三星半，120帧的确是非常不同，非常独特的体验，亮度，清晰度，立体感都是前所未有的，感觉之前看的3D大多是垃圾。不过，我的问题还是无法入戏，过度关注视觉，而在情感共鸣不多。反而是看24帧的渣版，在剧情和情绪有了更多收获
李安要说的一直以来都是选择！高伟同选择顺从父母，还是举行了喜宴；王佳芝选择还是放走了易先生；比利·林恩选择依旧回到伊拉克……其实李安一直想说的是人生的别无选择啊！我想，没有比天秤座更知道选择的重要，和选择的痛苦，以及选择的无奈了。#可能因为我不是技术控，120帧不影响我的观感。#
不管技术怎么样，李安始终是李安，除了几个太过于匠气的镜头，故事全程平滑流利又抓人耳目。中场表演那一段戏真是震撼到头皮发麻，几场文戏也是一如既往的高水准。女孩爱的不是男孩，只是英雄，群众爱英雄，然而只是自我满足的爱慕，他确实没得选择，人间地狱好像才是容身之处。